Spielzeit 2026|27

Deutschlandpremiere | 9 Tänzerinnen & Tänzer | ca. 120 Minuten, eine Pause

#Sehnsucht #Rausch

Der erste Teil TOD IN VENEDIG entfaltet einen inneren Dialog zwischen Thomas Mann und Gustav von Aschenbach, dem Protagonisten seiner gleichnamigen Novelle, der den verhängnisvollen Sommer in Venedig nochmals durchlebt. Sein innerer Konflikt verdichtet sich zum Ausdruck von Manns emotionaler Ambivalenz und wird in körperlich erfahrbare Bewegung übersetzt.

Im zweiten Kapitel schöpft John Neumeiers BRIDGE OF SIGHS aus der Geschichte der Seufzerbrücke in Venedig, einem Liebeszitat des Augustinus und der düsteren Musik Schostakowitschs. Die Brücke steht für Abschied, Sehnsucht und unwiederbringliche Vergangenheit. Die Tänzerinnen und Tänzer verdichten diese Bilder zu einer emotionalen Landschaft zwischen Vergangenheit und Gegenwart.

Die Compagnie, deren Name WINN für »When, if not now?« steht, vereint Tänzerinnen und Tänzer im Alter über 40, deren Professionalität in den vergangenen Jahrzehnten Ballett und zeitgenössischen Tanz geprägt haben.

winn-dance.com

Preiskategorie: C

Konzept: Slava Tutukin, Marijn Rademaker, Ira Goldbecher, John Neumeier

Choreografie: Imre & Marne van Opstal, Omar Román De Jesús, Rainer Behr, John Neumeier

Kostüme: BOSS

Licht: Konstantin Binkin und John Neumeier

Film: Javier De Frutos

Musik: Ricardo Villalobos / Max Loderbauer / Mohammad Reza Mortazavi / Boxhead Ensemble / Jesse Scheinin / Floex and Tom Hodge / Hildur Guðnadóttir / Dmitri Schostakowitsch / Friedrich Hollaender / Kurt Weill / Bryan Ferry

Deutschlandpremiere | 11 Tänzerinnen und Tänzer | ca. 60 Minuten, keine Pause

#alpin #live-musik

Widerhall, Verbindung und Entfernung zugleich. Es trägt Stimmen durch Raum und Zeit, verstärkt Rufe oder lässt sie verhallen, schafft Nähe oder unterstreicht Stille und Isolation. Aus diesem Klang heraus entfaltet sich das Geschehen auf der Bühne: Aus allen Richtungen zieht der Klang zu uns und nimmt uns mit in eine ursprüngliche Welt, in der Rhythmus, Atem und Gemeinschaft spürbar werden – als würde sich eine elementare Kraft entfalten. In diesem Werk von Frank Fannar Pedersen und Javier Rodríguez Cobos, in dem Konzert und Tanzaufführung verschmelzen, erleben wir den Vokalisten und Musiker Christian Zehnder, der den Obertongesang revolutioniert hat, erstmals gemeinsam mit seinem Sohn, dem elektronischen Musiker und Sounddesigner Till Zehnder, mit den Tänzerinnen und Tänzern der Tanzkompanie St. Gallen auf der Bühne.

Wir alle kennen dieses Gefühl, angesichts der uns umgebenden Natur ins Staunen zu geraten – ehrfurchtsvoll und zugleich vertraut. Sie ist unser aller Zuhause und entzieht sich dennoch unserer Kontrolle und unseren Vorstellungen. Mehr als einem stringenten Narrativ folgen in ECHOS Intuition, tiefsitzende Kraft und freigesetzter Ausdruck ihrem eigenen Weg – eine Stimmung, von der man sich berühren lassen kann: eine Einladung, in Resonanz zu treten.

konzertundtheater.ch

Preiskategorie: C

Konzept, Choreografie: Frank Fannar Pedersen, Javier Rodríguez Cobos (in enger Zusammenarbeit mit den Tänzerinnen und Tänzern)

Komposition, Stimme/Obertongesang, Wippkordeon, Live-Electronics: Christian Zehnder

Sound Design, musikalische Leitung, Live-Electronics: Till Zehnder

Bühne: Tina Tzoka

Licht: Lukas Marian

Kostüm: Désirée Müller

Dramaturgie: Lisa Leopold

Ballett nach Charles Dickens und E. T. A. Hoffmann

38 Tänzerinnen und Tänzer | 120 Minuten, eine Pause

#klassisch #märchenhaft

DER NUSSKNACKER erzählt die berühmte Geschichte von einem Weihnachtsfest der besonderen Art. Der ungarische Choreograf Youri Vámos hat E.T.A. Hoffmans Text mit A Christmas Carol / Eine Weihnachtsgeschichte von Charles Dickens zu einem einmaligen Erlebnis kombiniert.

London im 19. Jahrhundert: Clara und der Prinz begegnen dem ungehobelten Wucherer Scrooge, einem herzlosen Exzentriker, der Weihnachten hasst und verachtet. Scrooge geht sogar so weit, seinen Angestellten Bob Cratchit an Heiligabend zu entlassen. Bob kann es sich nicht einmal leisten, seiner kleinen Tochter Clara die ersehnte Nussknackerpuppe zu schenken. In derselben Nacht wird Scrooge von Alpträumen heimgesucht, er erhält eine letzte Chance zur Besserung. Und da es sich um eine Weihnachtsgeschichte handelt, verwandelt sich der Griesgram in einen freundlichen, großzügigen und mitfühlenden Mann – ein Inbegriff für den Geist der Weihnacht.

ndm.cz

Preiskategorie: B

Choreografie und Libretto: Youri Vámos

Musikalische Leitung: Marek Šedivý

Bühne: Daniel Dvořák

Kostüme: Roman Šolc

Licht: Klaus Günter Gärditz

Musik: Pjotr Iljitsch Tschaikowsky

Kinder- und Jugendchor: Theater Bonn, Leitung: Ekaterina Klewitz

16 Tänzerinnen und Tänzer | 135 Minuten, eine Pause

#tanzbar #swing

Das Konzept von THE FIREWORKS PROJECT ist simpel, Eric Gauthiers Köder schmackhaft: eine Liste von ikonischen Jazzmusiktiteln. Der Auftrag: je eines dieser Stücke von je einem Choreographen in Tanz zu übersetzen. Es entstehen kleine Raketenhappen in der Tradition von Jazz und Swing. Die Kürze der Musiktitel verlangt höchste Konzentration bei der Choreographie, die sich für den Zuschauer in Intensität überträgt. Weitere Teile des Abends sind BONUS TRACK von Hofesh Shechter, ABC von Eric Gauthier (ursprünglich für Startänzer Johan Kobborg inszeniert) und BOLERO + von Andonis Foniadakis. Der Abend ist eine explosive Mischung aus Neuem und Alten, Totentanz und Maskenball – und der Freude, die Feste so zu feiern, wie sie fallen.

gauthierdance.com

Preiskategorie: C

Künstlerische Leitung: Eric Gauthier

Choreografie Barak Marshall / Mauro Bigonzetti / Dominique Dumais / Marco Goecke / Sofia Nappi / Johan Inger / Stijn Celis / Virginie Brunelle / Benjamin Millepied / Hofesch Schechter / Eric Gauthier / Andonis Foniadakis

Musik: Fanfare Ciocărlia / Chet Baker / Laurie Anderson / Mercedes Sosa / Charles Aznavour / Kronos

Deutschlandpremiere | 11 Tänzerinnen und Tänzer | 90 Minuten, eine Pause

#pastandpresent #preisgekrönt

Das Doppelprogramm umfasst … ALL TOWARDS HOPE, ein fröhlicher Neuauftrag der zweifachen Bessie-Award-Gewinnerin Hope Boykin. Inspiriert von persönlichen und gelebten Erfahrungen, kreiert sie anlässlich des 25-jährigen Jubiläums von Ballet Black eine lebendige Hommage an den Werdegang des Ensembles – und wagt einen Blick in dessen Zukunft.

Hoffnung ist ein Gefühl dafür, was man sich wünscht und was man erreichen kann. Hoffnung ist der Akt des Vertrauens und zuversichtlichen Vorausschauens. Hoffnung ist das, was wir brauchen. Die Choreografin beschreibt die Bedeutung ihres Werks: »Ich lebe, wie die meisten von uns, in einer Gemeinschaft von Menschen mit unterschiedlichen Meinungen, unterschiedlichen Perspektiven und wechselnden Emotionen. Den Mut zu finden, Abstand zu nehmen, innezuhalten und nachzudenken, schwächt mich nicht, sondern stärkt meinen Geist und macht mich furchtlos, mich zu bewegen, für mich einzustehen und mich zu entscheiden, zu hoffen und zu lieben.«

Im zweiten Teil des Abends erleben Sie INGOMA, das Debüt des ehemaligen Ensemblemitglieds Mthuthuzeli November. Inspiriert vom Streik der südafrikanischen Bergleute 1946, einem Vorläufer der Anti-Apartheid-Bewegung, fängt INGOMA das Leid und die Widerstandskraft der Schwarzen Bergleute und ihrer Gemeinschaften ein. Das Werk wurde sowohl mit dem Olivier Award 2020 als auch mit dem Black British Theatre Award für die beste Tanzproduktion ausgezeichnet.

balletblack.co.uk

Preiskategorie: C

Choreografie: Hope Boykin, Mthuthuzeli November

Licht:  David Plater Kostüme Yann Seabra, Jessica Cabassa

Musik: Peter Johnson, Mthuthuzeli November, Bill Laurance

Eine Kooperation des Theater Bonn mit dem Beethovenfest Bonn

14 Tänzerinnen und Tänzer | ca. 90 Minuten, eine Pause

#freiheitsliebend #historisch

In BEETHOVEN 7 widmet sich Sasha Waltz der Sinfonie Nr. 7 in A-Dur (op. 92) von Ludwig van Beethoven. Die Musik entstand 1812. Es schwingen in dieser Sinfonie Themen seiner Zeit mit, die auch heute noch aktuell sind: das Scheitern einer Revolution, die (erzwungene) Rückkehr zu alten Traditionen, die Reibung zwischen dem Wunsch nach gesellschaftlicher Transformation und der damit einhergehende Verlust von Freiheit und Zukunftsperspektiven.

Beethoven notierte 1812 in sein Tagebuch die Frage: »[I]st der ächte Wahre Mensch / Ein Sklave der Umgebung oder Frey?«, und sieht – persönlich enttäuscht – die politische Idee der Freiheit zwischen Französischer Revolution und europäischer Restauration scheitern. Gleichzeitig ist sein Werk prägender Ausdruck einer ästhetischen Idee der künstlerischen Freiheit.

sashawaltz.de

Preiskategorie: B

Konzept und Choreografie: Sasha Waltz

Kostüm: Bernd Skodzig

Licht: Martin Hauk

Dramaturgie: Jochen Sandig

Musik: Ludwig van Beethoven

Live-Musik: Beethoven Orchester Bonn

Weltpremiere | 10 Tänzerinnen und Tänzer | 70 Minuten, keine Pause

#poetisch #zeitlos

Inspiriert von Antoine de Saint-Exupérys zeitloser Erzählung lädt das Ballett DER KLEINE PRINZ zu einer poetischen Reise ein, die Kinder wie Erwachsene gleichermaßen berührt. Die Choreografie übersetzt die berühmte Geschichte über Freundschaft, Liebe und die Suche nach dem, was im Leben wirklich zählt, in eine bildstarke Tanzsprache und erschafft so ein Fantasieuniversum, das Augen und Herz öffnet.

Im Zentrum der Erzählung steht der Pilot, dessen Flugzeug über der Wüste abstürzt. In der Einsamkeit des Sandes begegnet er einem geheimnisvollen jungen Prinzen. Gemeinsam begeben sie sich auf eine Reise durch Raum und Zeit – eine Reise, die den Piloten auf eine ebenso geheimnisvolle wie gefährliche Reise führt und letztlich: zu sich selbst.

In klar gegliederten Akten entfaltet sich ein Handlungsballett voller Symbolik: von der stolzen Rose über den schlauen Fuchs bis hin zum unheimlichen Narziss. Stets präsent ist die Schlange als zwielichtig-schillernde Figur. Sie ist Sinnbild des nahenden Todes, der sich lautlos durch das Stück windet.

Das junge Ensemble des NRW Juniorballett füllt diese fantastische Welt mit Leben. Es entsteht ein Gesamtkunstwerk, das die poetische Schlichtheit des Originals liebevoll einfängt.

DER KLEINE PRINZ ist ein Ballett für die ganze Familie, das den Zauber der Geschichte bewahrt und zugleich neue, fantasievolle Perspektiven eröffnet – eine Einladung, die Sterne wieder mit den Augen der Kindheit zu betrachten.

theaterdo.de/nrw-juniorballett

Preiskategorie: C

Konzept, Choreografie und Libretto: Bojana Nenadović

Licht: Tim Waclawek

Kostüme: Leo Kulaš

12 Tänzerinnen und Tänzer | 75 Minuten, keine Pause

#rhythmisch #ekstatisch

In RHYTHM & FLOW kommen Hip-Hop-Tänzer, Parkour- Athleten und Pole-Artisten mit Musikern auf der Bühne zusammen. Was passiert bei diesem »CultureClash«? – Eine Performance, die von Anziehung und Aufeinanderprallen erzählt.

Wir erleben eine offene Jamsession auf der Bühne: Ein Tänzer fordert einen Musiker heraus, sie steigern den Beat und spüren, wie das Adrenalin steigt. Sie stürzen sich mit ganzem Herzen in den Flow des anderen. Dieser Abend ist ein ewiger Kreis aus Ekstase, aus Hingabe und Loslassen.

Das Bühnenbild, ein Labyrinth aus Rohren und Stangen, ist die perfekte Spielwiese für das Aufeinandertreffen der Disziplinen. Choreograf Marco Gerris lässt diese Disziplinen verschmelzen und wieder auseinandergehen. Fast hat man beim Zuschauen den Eindruck, die Energie würde durch die Rohre fließen wie ein liquider Herzschlag, dem sich auch das Publikum nicht entziehen kann.

Die Show ist mehrfach preisgekrönt, unter anderem mit dem Zwaan in der Kategorie »most impressive dance production« sowie mit dem Johannes Vermeer Award für Choreografen
Marco Gerris.

ishdancecollective.com

Preiskategorie: C

Choreografie: Marco Gerris & Ensemble

Bühne: Ascon de Nijs

Licht: Mike den Ottolander

Musik: Rik Ronner / Irie Weergang Bove / Sanne Landvreugd

Deutschlandpremiere | 10 Tänzerinnen und Tänzer | ca. 60 Minuten, keine Pause

#ChangeNotTrend #KünstlicheIntelligenz

Der Aufstieg der künstlichen Intelligenz hat die Art und Weise verändert, wie wir in der Welt leben.

Zwischen Versprechungen des Fortschritts und Schatten der Unsicherheit entsteht ein zwiespältiges Terrain, in dem das Menschliche und das Künstliche miteinander verflochten sind. A.I. (Amalur Infinity) positioniert sich an dieser Schwelle und bietet eine Erfahrung, die nicht darauf abzielt, Antworten zu geben, sondern vielmehr Fragen über unser Bewusstsein, unsere Emotionen und unser Wesen aufwirft.

A.I. ist eine Tanzperformance, die Laserlicht und neue Technologien integriert, um der künstlichen Intelligenz eine szenische Form zu verleihen. Durch eine gemeinsame Choreografie aus Licht und Körper reflektiert das Werk den bewussten Umgang mit Technologie und gewinnt sie als künstlerisches Werkzeug im Dienste von Emotion, Identität und dem Menschen zurück. Lucía Lacarra und Matthew Golding sind dem Bonner Publikum bereits vertraut: Sie begeisterten zuletzt 2024 mit LOST LETTERS.

goldenlac.com

Preiskategorie: C

Konzept und Regie: Lucía Lacarra, Matthew Golding

Choreografie: Juanjo Arqués, Matthew Golding

Kostüme: Betitxe Saitua

Licht: Eduardo Chacón

12 Tänzerinnen und Tänzer | ca. 80 Minuten, keine Pause

#aufständisch #energiegeladen

Eine kraftvolle, verbindende Energie durchzieht diese Arbeit – eine Energie, die Menschen über Unterschiede, Eigenheiten und Glaubenssysteme hinweg zusammenführt. Sie entsteht im öffentlichen Raum, auf Straßen und Plätzen, im Zentrum unserer Städte, und entfaltet sich im gemeinsamen Erleben von Bewegung.

Ausgehend von historischen Momenten des Aufbegehrens – von der Antike über die Aufklärung bis in die Gegenwart – greift die Choreografie jene kollektiven Dynamiken auf, die aus purer Notwendigkeit aus Unterdrückung und der Sehnsucht nach entstehen.

Die Körper auf der Bühne formieren sich zu einem beweglichen Gefüge: Sie verdichten sich, lösen sich auf, finden neue Konstellationen – wie ein Schwarm, der sich ständig neu organisiert. In dieser fließenden Struktur wird Energie sichtbar und spürbar: als Widerstand, als Impuls, als geteilte Erfahrung.

So entsteht ein Raum, in dem Gemeinschaft als physische Erfahrung im Mittelpunkt steht.

preljocaj.org

Preiskategorie: C

Choreografie: Angelin Preljocaj

Musik: Irène Drésel

Licht: Éric Soyer